Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο ακολούθησε μια τεράστια μεταβατική περίοδος σε όλη την Ευρώπη και τις Ηνωμένες Πολιτείες. Η μεγάλη ανασυγκρότηση ήταν η ημερήσια διάταξη σε όλη την Ευρώπη και, σιγά-σιγά, μια αυξανόμενη ευημερία και αφθονία απολάμβαναν οι πληθυσμοί σε αυτές τις περιοχές. Ήταν η αυγή μιας νέας εποχής, αλλά μόλις τη δεκαετία του 1960 η αναδυόμενη «καταναλωτική» κοινωνία δημιούργησε μια ζήτηση σε αγαθά που ήταν απλά απρόσιτα μέχρι τότε.
Η βρετανική ποπ αρτ μπορεί να έχει τις ρίζες της στα μέσα της δεκαετίας του 1950. Μια μικρή ανεξάρτητη ομάδα αποτελούμενη από αξιόλογους καλλιτέχνες εκείνη την εποχή μαζί με κριτικούς στον κόσμο της τέχνης δημιούργησαν μια έκθεση που πραγματοποιήθηκε στη Γκαλερί Τέχνης Whitechapel το 1956. Αυτή η έκθεση εστίαζε στο θέμα των φθηνών καταναλωτικών προϊόντων και στο ρόλο που έπαιξαν στη σύγχρονη ζωή. Αν και τότε δεν φαινόταν έτσι, η έκθεση ήταν ένα σημαντικό βήμα προς τα εμπρός στον κόσμο της τέχνης και μια τεράστια απόκλιση από ό,τι είχε προηγηθεί. Ο παλιός κριτικός, Lawrence Alloway (1926-1992) το χαιρέτισε ως τη γέννηση κάτι καινούργιου και το 1958 βάφτισε αυτό το ξεχωριστό στυλ τέχνης ως “Pop Art”.
Βασικές φιγούρες στη βρετανική ποπ αρτ σκηνή που ακολούθησε ήταν ο Richard Hamilton (γενν. 1922) του οποίου το έργο απεικόνιζε αυτοκίνητα, pin-up μοντέλα και ηλεκτρικές συσκευές, μεταξύ άλλων. Ο Peter Blake (γενν. 1932), από την άλλη πλευρά, επικεντρώθηκε σε κόμικς και ποπ τραγουδιστές, ενώ ο συλλέκτης περιοδικών Eduardo Paolozzi (γενν. 1924) παρήγαγε εντυπωσιακές εκτυπώσεις κολάζ ανακυκλώνοντας και ενσωματώνοντας παλιό διαφημιστικό υλικό με εικόνες κόμικς.
Όσο για τις ΗΠΑ, κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1950 ο κόσμος της τέχνης κυριαρχήθηκε από τον «Αφηρημένο Εξπρεσιονισμό». Ήταν μέχρι τις αρχές της δεκαετίας του 1960 όταν οι κριτικοί τέχνης και οι Αμερικανοί καλλιτέχνες άρχισαν να αγκαλιάζουν την Pop Art και να δώσουν σε αυτό το νέο στυλ τέχνης τη δική τους απαράμιλλη αμερικανική «αποδοχή». Το 1962 πραγματοποιήθηκε μια έκθεση με τίτλο «New Realists» στη γκαλερί Sidney Janis στη Νέα Υόρκη. Αυτό ήταν πρωτοποριακό στην Αμερική, κυρίως επειδή η έκθεση παρουσίαζε έργα καλλιτεχνών όπως ο Andy Warhol (1928-1987), ο Roy Lichtenstein (1923-1997), ο Claes Oldenburg (γεν. 1929), ο Jim Dine (γεν. 1935) και James Rosenquist (γεν. 1933). Από αυτούς, ο Γουόρχολ, ο Λίχτενσταϊν και ο Όλντενμπουργκ έγιναν βασικές προσωπικότητες στον κόσμο της ποπ αρτ. Ο Γουόρχολ έγινε γνωστό όνομα.
Πράγματι, η φήμη του Warhol αυξήθηκε το 1962 μετά την παραγωγή του έργου του “Campbell’s Soup Cans” και παρουσιάστηκε σε ξεχωριστά έργα – πρώτα ως μεμονωμένα “κονσέρβες” και στη συνέχεια τα ίδια κουτιά ευθυγραμμισμένα σε άψογες σειρές. Η Μέριλιν Μονρό και η Τζάκι Κένεντι, πιθανώς οι μεγαλύτερες γυναίκες της δεκαετίας του ’60 εκείνη την εποχή, έλαβαν επίσης τη “θεραπεία Γουόρχολ” κατά την οποία ο μεταξένιος έθεσε τις εικόνες τους, άλλαξε τα χρώματα και τις αναπαρήγαγε σε επαναλαμβανόμενα μοτίβα.
Ο Roy Lichtenstein ήταν σε μεγάλο βαθμό ένας καλλιτέχνης “comic-strip” και παρήγαγε πλήθος έργων χρησιμοποιώντας εικόνες από κόμικς. Ξεκινώντας το 1960, ζωγράφιζε πολύ διογκωμένες εικόνες πλαισίων κόμικς που σχηματίζονταν από τις κουκκίδες του έγχρωμου χαρτιού εφημερίδων. Την ίδια χρονιά, ο Όλντενμπουργκ ξεκίνησε να χαράζει τη δική του θέση στον κόσμο της ποπ αρτ, δημιουργώντας μεγάλα, ζωγραφισμένα γύψινα γλυπτά από σάντουιτς και κέικ! Σύντομα ακολούθησαν τεράστιες πλαστικές συσκευές που μαλακώθηκαν για να τους επιτρέψουν να δώσουν ένα διακριτικό «κρούσιμο». Όλα σχεδιάστηκαν για να εξερευνήσουν τη φύση της «καταναλωτικής κουλτούρας» που σάρωνε τα έθνη και στις δύο πλευρές του Ατλαντικού.
Με τη μαζική εμπορευματοποίηση των καταναλωτών να αυξάνεται με ανησυχητικό ρυθμό (και φαινομενικά χωρίς τέλος), το “Pop Art” παραμένει πολύ ζωντανό και είναι ίσως ακόμη πιο οδυνηρό και προβληματικό σήμερα όπως ήταν ακόμη και στα μέσα του εικοστού αιώνα.
